Vivian Maier, prima mostra in Italia
Gli scatti della tata fotografa americana Vivian Maier per la prima volta in mostra in Italia alla Galleria dell'Incisione di Brescia.
Class Life - Arte, servizio di Silvia Eleonora Longo, ottobre 2012.
FRANCO FANELLI ROMA 11 OTTOBRE 2012
Franco Fanelli
Galleria Simone Aleandri Arte Moderna, Roma
Acquafortista. Venticinque anni di incisioni sono ripercorsi attraverso una trentina di opere datate dal 1987 a oggi, per ritornare sui temi a lungo indagati dall'incisore torinese.
comunicato stampa
A cura di Guglielmo Gigliotti
La Galleria Simone Aleandri Arte Moderna, dopo il successo riscosso dalle recenti mostre dedicate alla Grafica europea, riaccende l'interesse su un grande protagonista dell'incisione italiana contemporanea: Franco Fanelli, per la prima volta a Roma, un evento che consacra l'incontro fra l'artista piemontese e la sua città simbolo. La mostra è accompagnata da un catalogo realizzato dalle Edizioni Officine Vereia, con testi del curatore e di Flaminio Gualdoni.
Venticinque anni di incisioni di Franco Fanelli sono ripercorsi attraverso una trentina di opere datate dal 1987 a oggi. Si tratta, nell'insieme, di un percorso circolare, nel quale ritornano temi a lungo indagati dall'incisore torinese.
I primi fogli risalgono alla suite Sibyllae: il titolo allude alla ricerca, da parte dell'autore, di un responso (l'immagine) attraverso l'insistito processo di rielaborazioni, pentimenti, integrazioni segniche e materiche su matrici in rame di grande formato, ispirate alla forma di scudi cinquecenteschi da battaglia, che nello stato finale assumono le sembianze di stemmi petrosi di potente energia gestuale. Una sorta di procedimento archeologico, quello di Fanelli, che ritorna, anche nei temi, nelle opere più recenti. Si tratta di pagine di un immaginario atlante nel quale ricorrono figure di animali (un minimo bestiario animato da babbuini e avvoltoi), che invadono, con la loro presenza, vasi antichi e rovine, come nelle due vedute immaginarie dell'Arco di Orange in Francia. Il riferimento è a Piranesi e al gusto dell'incisore settecentesco per la drammatizzazione preromantica dell'archeologia, ma anche per l'ibridazione, attraverso giustapposizioni di diversi elementi antichi nella sua produzione di antiquario e designer.
La fase intermedia della produzione di Fanelli è invece sintetizzata nei ritratti neri incisi tra la fine degli anni Novanta e gli inizi degli anni Duemila. Qui le fonti d'ispirazione sono riconducibili alla letteratura anglosassone dell'Ottocento, da Conrad a Melville, ma anche al teatro elisabettiano: pugili, lottatori e rappers afroamericani in questi fogli vengono trasfigurati nelle icone di personaggi letterari, come Tom Corbin, il negro del Narcissus, il demone Davy Jones oppure nello shakespeariano Otello, quest'ultimo nelle quattro acqueforti con ritratti di Uomini d'arme.
Franco Fanelli è nato a Rivoli (To) nel 1959. Vive a Torino, dove dal 1987 è docente di Tecniche dell'Incisione presso l'Accademia Albertina di Belle Arti. Tra le principali mostre personali, si ricordano quelle alla Galleria Documenta di Torino (1987), alla Galleria Il Bisonte di Firenze (1995), alla Galleria Davico di Torino (1997) e alla Galleria dell'Incisione di Brescia (2004). Ha partecipato a numerose rassegne dedicate alla grafica incisa, come il Premio Internazionale Biella per l'Incisione, la Biennale dell'Incisione Alberto Martini di Oderzo, e Grafica oggi (Biblioteca Nazionale, Torino, 2011), ottenendo riconoscimenti al Premio giovani incisori italiani (Museo di Villa Croce, Genova, 1991), al XXVII Premio Sulmona (2000, premio per l'incisione)e al Premio Santa Croce per la Grafica (2001 e 2003). Tra le più importanti mostre collettive, The Artist and the Book in XXth Century Italy, (MoMA, New York, 1993), Opere su carta della galleria Civica d'arte moderna e contemporanea (Torino, 1994), La pelle nera (Galleria Marieschi, Monza, 1997), Continuità dell'immagine (Mole Vanvitelliana, Ancona, 1998), Attualità della tradizione (Museo Marino Marini, Firenze, 1999), FivePrintmakers from Turin (EdinburghPrintmakers, Edimburgo) e After Ville (Museo Internazionale di Arti Applicate, Torino). Sue opere sono conservate presso la Galleria Civica d'artemoderna e contemporanea di Torino e il Museo d'arte contemporanea Villa Croce di Genova.
Immagine: Franco Fanelli, Orange I, 2011 acquaforte, vernice molle e puntasecca su rame
Inaugurazione: giovedì 11 Ottobre 2012, ore 18.00
Galleria Simone Aleandri Arte Moderna
via dei Coronari 146, 00186 Roma
Orari: dal lunedì al sabato 09.30-13.00 e 15.30-19.00
Ingresso libero
RIPRESA VIDEO : MASSIMO DE PASCALE M.D.P.
***** Brescia MUSEO SANTA GIULIA (2/2) - PINACOTECA TOSIO MARTINENGO (UNESCO)
Nel palazzo Martinengo da Barco in piazza Moretto, trova sede la Pinacoteca Civica, sorta nel 1908 dall'unione delle due gallerie costituite con i lasciti del conte Paolo Tosio (1844) e del conte Francesco Leopardo Martinengo (1883) e arricchitasi nel tempo con altri legati, con opere provenienti da chiese soppresse o edifici distrutti fino alle recenti acquisizioni. Lungo un percorso articolato in venticinque sale, è esposta una collezione tra il XIII e il XVIII secolo che vanta veri e propri capolavori, tali da porre la raccolta bresciana ai vertici non soltanto in Italia nell'ambito della pittura antica, a cominciare da dipinti di bellezza incomparabile di Raffaello Sanzio e Lorenzo Lotto. Importante e cospicua è la rappresentazione di opere di Vincenzo Foppa, caposcuola della pittura lombarda del Quattrocento, e dei maestri del rinascimento bresciano: Savoldo, Romanino, Moretto. La ritrattistica del Cinquecento offre tele di Tintoretto e Sofonisba Anguissola. Per il XVII e il XVIII sec. spiccano alcune grandi figure di aree culturali diverse (Palma il giovane, Andrea Celesti); in ambito bresciano, meritano attenzione i cosiddetti pittori della realtà come Antonio Cifrondi e Giacomo Ceruti detto il Pitocchetto, del quale assolutamente straordinaria per numero e qualità è la serie di opere visibili nel museo.
Non meno eccezionale è la sezione di grafica. Questa collezione, iniziata nel Settecento dal cardinale Angelo Maria Querini, si è arricchita nel corso dell'Ottocento e del Novecento. La parte più rilevante del fondo è costituita da circa trentamila esemplari, che documentano lo sviluppo dell'incisione nelle sue varie tecniche (xilografia, bulino, acquaforte, chiaroscuro, litografia) dal Quattrocento all'età contemporanea. E' da segnalare l'ampia serie dei bulini di ambito tedesco: gli esemplari antichi di Martin Schongauer e la serie pressochè completa delle opere di Albrecht Dürer. Altrettanto ricca e preziosa la sequenza delle incisioni del Cinquecento italiano, con Parmigianino, Annibale e Ludovico Carracci. La scuola olandese comprende molte opere di Luca di Leida e celebri capolavori di Rembrandt. Sono pure presenti Guido Reni e Giovanni Benedetto Castiglione detto il Grechetto. Il Settecento è ben rappresentato dalle acqueforti dei maestri veneti (Canaletto, i due Tiepolo, Piranesi). Tra gli esemplari ottocenteschi, spiccano un'edizione completa, ancora rilegata, dei Capricci di Goya e le notissime litografie satiriche di Daumier. Tra le stampe moderne di notevole valore emerge la Grande natura morta di Giorgio Morandi del 1928, considerata un capolavoro dell'incisione italiana del Novecento.
VIVIAN MAIER - Street photographer
La Galleria dell'incisione di Brescia porta per la prima volta in Italia una selezione di foto di Vivian Maier, grande street photographer che ha raccontato la New York e la Chicago degli anni '50-'70 e il cui archivio è stato scoperto solo post mortem, nel 2009.
Mimmo Paladino da Christian Stein: la sensazione e la pittura
Milano (askanews) - C'è un silenzioso senso tragico nella grande sala della Galleria Christian Stein a Milano che ospita la prima sezione della mostra dedicata a Mimmo Paladino e che prosegue poi nei grandi spazi dell'altra sede della galleria a Pero. Una percezione di caduta, suggerita ovviamente dal grande cavallo di legno dipinto che è imprescindibile punto di riferimento - anche fisico - per il visitatore, ma pure un sentimento del racconto di questa caduta, che nella scultura di Paladino appare inevitabile e intrinseca, narrato attraverso i grandi pannelli della serie delle Corali che sono il monumentale compendio al grido muto dell'animale a terra.
Si tratta di dipinti del 1992, in qualche modo summe della lezione di Paladino all'interno della Transavanguardia, ma anche testimonianze dell'idea stessa di pittura, come fatto in sé, come reminiscenza della lezione di Francis Bacon, soprattutto alla luce della canonica lettura di Gilles Deleuze e della sua Logica della sensazione. I frammenti di corpi, cosi decisamente legati alla pratica artistica di Paladino, che emergono dal biancore di fondo, sembrano redistribuire il surplus del valore pittorico; lo spazio immaginario (e infinito) su cui insistono è quello stesso campo di battaglia visivo - di sensazione, appunto - sul quale possiamo immaginare che sia caduto il cavallo, senza sconfitta, solo con l'ineluttabilità del gesto artistico.
La mostra, curata da Eduardo Cycelin, poi racconta in altre sei sezioni a Pero l'evoluzione di Mimmo Paladino, comprendendo anche la decisiva installazione della Biennale del 1988. Ma partire da questa sala nella galleria di Corso Monforte può essere un modo per cominciare a guardare al lavoro di un artista divenuto classico cercando, e in molti casi sentendo quasi sulla propria pelle, la dimensione concreta di quel ritorno alla pittura portato dalla Transavanguardia.
Le reazioni del mercato dell'arte davanti alla crisi economica
Il mercato globale dell'arte vale 43 miliardi di euro all'anno, secondo gli ultimi dati della Fondazione Europea delle Belle Arti. La quota di mercato dell'Europa è del 36%. Seguono Stati Uniti e Cina. I paesi emergenti negli ultimi anni stanno mostrando una forte crescita. Come reagisce il mercato alla crisi economica internazionale? euronews lo ha chiesto a Guillaume Cerutti, amministratore delegato di Sotheby's Francia.
Giovanni Magi, euronews: Fino a che punto la crisi economica colpisce il mercato internazionale dell'arte?
Guillaume Cerutti, amministratore delegato di Sotheby Francia:
La crisi economica colpisce il mercato internazionale dell'arte, come avviene per tutti i settori, ma in modo relativo o diverso, perché il mercato dell'arte ha caratteristiche particolari. È un mondo pieno di sorprese. È un tipo di mercato dove esistono solo i privati, i collezionisti privati e gli oggetti individuali. Queste sono peculiarità molto particolari. Perciò di fronte alla crisi, vediamo che capolavori, pezzi rari dall'origine prestigiosa e grandi quadri non sono colpiti. Al contrario, i collezionisti li cercano ancora di più. Invece, oggetti di minor valore, quadri interessanti, ma quotati di meno sul mercato, possono risentire della crisi e le loro valutazioni dovrebbero essere a questo punto estremamente precise, affinché sia possibile una loro collocazione da parte nostra sul mercato. Quindi la crisi ha un effetto diverso, a seconda della qualità e dell'importanza di un oggetto.
euronews:
Ci sono state alcune aste in cui i pezzi hanno raggiunto prezzi incredibili. L'arte è sempre un buon investimento o esiste il rischio di un effetto bolla come nel mercato immobiliare?
Gulliaume Cerutti:
È vero che le grandi aste hanno battuto dei record. L'anno scorso, per esempio, Sotheby's a New York ha venduto una versione del famoso quadro di Edvard Munch, 'L'Urlo', per oltre 120 milioni di dollari, pari a circa 91.500.000 euro. I lavori di Picasso messi all'asta a Parigi, per esempio un ritratto di Dora Maar, sono stati venduti per 7 milioni di euro. È vero: queste cifre testimoniano che il mercato dell'arte è in qualche modo una zona protetta, un rifugio sicuro in tempi di crisi. Ovviamente, la realtà presenta sottili distinzioni, perché esistono ancora settori in cui i compratori sono pochi e si può avvertire la preoccupazione sulla situazione economica globale.
euronews:
Il mercato dell'arte è sempre più riservato alle élite, alle persone molto facoltose?
Guillaume Cerutti:
Il mercato dell'arte, a dire il vero, è composto da diversi mercati. Se consideriamo i grandi impressionisti e i quadri moderni, i prezzi dei capolavori sono spesso molto alti. Per rispondere alla sua domanda - se sono appannaggio esclusivo di una clientela molto abbiente - allora sì, lo sono. Per comprare un quadro di Picasso ci vogliono molti soldi. Allo stesso tempo, ci sono settori dove si possono fare aquisti a prezzi molto contenuti. Per esempio, quello delle incisioni: si può comprare un'opera di Picasso per poche centinaia di euro, un lavoro originale, perché ne esistono poche copie realizzate da un incisore importante. A Parigi abbiamo organizzato una vendita alla fine di febbraio di lavori di Crommelynck, l'incisore di Picasso. Opere straordinarie del pittore spagnolo sono state vendute per poche centinaia di euro.
euronews:
Che tipo di opera d'arte ha più successo tra i vostri clienti?
Guillaume Cerutti:
Il contesto del ventesimo secolo è innegabilmente quello che oggi ha conquistato la fetta di mercato più ampia. L'impressionismo, l'arte moderna, quella del dopoguerra, è in questi ambiti che si raggiungono i prezzi più alti. Altri settori hanno visto in anni recenti uno sviluppo molto rapido, come le arti dell'Africa e dell'Oceania, che sono diventate una parte molto importante del mercato. L'arte asiatica è stata protagonista di una crescita sensazionale. Solo una dozzina di anni fa, il mercato dell'arte era riservato esclusivamente a una clientela occidentale composta da europei e americani. Negli ultimi anni, compratori asiatici, compresi i cinesi, hanno manifestato un grande desiderio di acquistare opere che rappresentassero la loro storia, come quelle del periodo imperiale, sigilli, giade, ceramiche. Questo mercato ha assistito a uno sviluppo molto rapido.
euronews:
Chi sono i vostri clienti? Le loro caratteristiche cambiano?
Guillaume Cerutti:
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DIVI & DIVINAZIONI personale di Federica Frati a cura di Nico Carone
L'associazione Gira-Sole di Nardò (LE) organizza Divi & Divinazioni, mostra personale di pittura e incisione dell'artista bresciana Federica Frati a cura di Nico Carone.
Due serie di opere, Idols (i Divi) e Tarots (le Divinazioni), create a quasi 10 anni di distanza l'una dall’altra, sono messe in dialogo sfidando il divario stilistico e di contenuti che le caratterizza, per mostrare l’intera ricerca artistica di Federica Frati.
La paranomasia che dà vita al titolo di questa mostra, detta il vero filo conduttore di questo percorso attraverso l’allusione non troppo velata ad un tema molto caro all'artista, presente e costante in tutta la sua opera sotto svariate e sempre diverse forme: la ricerca del Divino.
Il progetto Idols, creato nel 2008, consiste in una serie di dipinti a tempera magra raffiguranti musicisti contemporanei, a cui si associano delle xilografie ispirate stilisticamente all’espressionismo tedesco.
I musicisti sono stati ritratti con forti allusioni alla sintesi ed alla ieraticità di certi affreschi medievali, con la stessa non urgenza descrittiva e fondi a verdaccio, trasformando i soggetti in veri e propri santi con tanto di nimbo, a sottolineare la sacralità di questi nuovi idoli, risolvendo così l’indagine sul Divino nel gesto di attribuzione di qualità ultraterrene a personaggi del mondo dello spettacolo.
Negli anni successivi alla realizzazione degli Idols, l’artista realizza diverse serie di opere, in maggioranza acquetinte, acqueforti e xilografie, che sempre di più si discostano dalla necessità di descrivere il reale, ma piuttosto mostrano il desiderio di reinterpretarlo soffermandosi non certo sulla sintesi del bello, ma anzi delle deformità. Fino a giungere, a partire dal 2017, all’elaborazione della serie Tarots, uno studio sul tema dei Tarocchi, una ricerca che, partendo dalla realizzazione di carte vere e proprie raffiguranti gli arcani maggiori mediante la xilografia, viene poi modificata con l’uso di diverse tecniche, in particolare il disegno monotipico.
Ma se le carte dei Tarocchi hanno come scopo principale l’interlocuzione con un divino in cui si crede fermamente, nell’atto di ricerca e richiesta di indizi su cosa riserverà un futuro che non è nelle mani dell’uomo, i Tarocchi di Federica sono invece pretesti per indagare le varie sfaccettature dell’animo umano, di cui, grazie al nero dell’inchiostro, viene data una versione cupa per sottolineare il senso di smarrimento che caratterizza l’uomo moderno, fagocitato dalla tecnica e orfano degli dei.
Ecco quindi che gli arcani delle carte diventano estremamente umani: la Temperanza ha un’ala spezzata, il Mago è in sovrappeso, l’Amante è omosessuale e l’Appeso non è più a testa in giù.
(Nico Carone)
Federica Frati nasce a Brescia nel 1977. Dopo due anni di frequenza presso l’accademia di belle arti di Brera si laurea in lettere indirizzo artistico all’università statale di Milano.
Dal 2009 inizia la frequentazione dello spazio Overseas di Luciano Pea dove si confronta in modo sistematico col mondo dell’incisione.
Dal 2008 ad oggi Federica partecipa a diverse mostre personali e collettive prevalentemente nel nord Italia, tra cui la personale “Segmenti” presso la galleria Mimesis di Calvisano (2012), la personale “Impuri” presso Fondazione Amleto Bertoni , Saluzzo, Cn (2016) e la collettiva Oggettività-soggettività presso associazione Il Movente,Brescia, Italia (2016)
Nel 2013 è terza classificata al concorso di disegno Lidia Anita Petroni con l’opera Mother and son per la drammaticità del segno in sintonia con l’iconografia rappresentata.
Nel 2015 risulta prima classificata nella sezione pittura, seconda classificata nella sezione grafica e menzione speciale alla XXXVII edizione del premio Matteo Olivero, sezione grafica, Saluzzo (CN).
Nell’Ottobre 2017 la rivista letteraria internazionale Beatiful Losers dedica tutto il numero alle sue incisioni ed ai suoi dipinti, e nell’ Aprile 2018 viene selezionata per mostra collettiva internazionale 3+10 art Prize a Venezia.
Antiche armi da fuoco: 4/4 Museo delle della tradizione armiera di Gardone VT
Presentazione della mostra inaugurale del Museo delle Armi e della Tradizione Armiera di Gardone Val Trompia (2007).
13 marzo 2019 - L'assedio di Torino e la dimensione spirituale
La mostra (13 marzo-30 aprile) coglie l’occasione del 390° anniversario di nascita del Beato Sebastiano Valfrè (9 marzo 1629), che tanta parte ebbe all’epoca dell’assedio nell’assistenza alla popolazione assieme alla Beata Maria degli Angeli, per approfondire gli aspetti religiosi, di devozione, di assistenza e di solidarietà umana e spirituale svolta dalla Chiesa torinese in un momento significativo della vita di Torino e della sua popolazione.
Tra i documenti storici che si esporranno: sei incisioni pregiate dei Patroni della Città nominati nel periodo con delibera comunale e custoditi dall’Archivio Storico della Città, e i due grandi dipinti dell’epoca relativi ai due citati Beati, normalmente custoditi rispettivamente nelle sale interne dell’Oratorio di San Filippo Neri e del Carmelo di Moncalieri.
L’inaugurazione della mostra “Torino e l’assedio 1706. La dimensione spirituale” è prevista il 13 marzo alle ore 17,30, ingresso libero.
Nel corso dell’inaugurazione, la presentazione del recente libro “L’Epistolario del Beato Sebastiano Valfrè, scritti di un fedele dispensatore dei misteri di Dio”, edito da Centro Studi Piemontesi, a cura dell’autore Daniele D’Alessandro.
La mostra, aperta liberamente al pubblico e inserita anche nel normale percorso di visita guidata, costituisce un determinante potenziamento dell’offerta culturale del museo, unico nel suo genere, per far conoscere e promuovere la storia della città alle scuole, ai cittadini e ai turisti.
La mostra è organizzata in collaborazione con la Fondazione Mario ed Anna Magnetto ed è sostenuta dalla Società Reale Mutua di Assicurazioni.
Curatori gli studiosi Daniele Bolognini e Daniele D’Alessandro.
Dopo le recenti celebrazioni del sessantennale della scoperta della vera scala di Pietro Micca, avvenuta il 1 ottobre 1958, e per favorire il percorso di avvicinamento al 60° anniversario della inaugurazione del museo civico Pietro Micca e dell’assedio di Torino del 1706 nel centenario dell’Unità d’Italia (1961-2021), è intenzione della Direzione del museo dedicare particolare attenzione e promuovere l’esposizione al pubblico in tempi successivi dei tanti documenti storici meno noti posseduti da enti diversi della Città attinenti agli eventi e ai protagonisti di quel particolare momento, vissuto con grande partecipazione da tutta la popolazione.
Parte, pertanto, da quest’anno e per i prossimi due fino al Sessantennale, un percorso di approfondimento tematico durante il periodo corrispondente ai 117 giorni dell’assedio attraverso successive mostre temporanee all’interno del museo Pietro Micca, in un particolare spazio dedicato ed attrezzato, per integrare il valore espositivo del normale percorso di visita e offrire alla curiosità cimeli storici normalmente nascosti.
Bornoskiarea (Borno -Vallecamonica -Bs) Italy : ....come eravamo.
Vecchi filmati
Come dipingere una rosa bianca su porcellana di Antonella Falcioni
Tutorial di Antonella Falcioni: come dipingo le rose bianche su porcellana - terzo fuoco
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Sono Antonella Falcioni, dipingo su porcellana, olio su tela, acquerello su carta, acrilico su legno e tanti altri supporti, i miei soggetti sono ritratti, animali, angeli, Madonne, paesaggi, campi da golf ecc, inoltre espongo in gallerie e musei.
Ho curato anche mostre di artisti internazionali, inoltre mi dedico a fare ricami a macchina personalizzati su richiesta ed artistici.
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La mostra di arte finlandese
Giornale Luce B1124 del 07/07/1937
Descrizione sequenze:Alfieri arriva alla Galleria di Roma per inaugurare la mostra di arte finlandese ; nelle sale della galleria sono esposti dipinti, sculture, incisioni e decorazioni dalla fine del '700 ai nostri giorni ; molti visitatori presenziano alla mostra ;
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Завод «Fabbrica d'Armi Pietro Beretta s.p.a.» Gardone Val Trompia,Italia
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Citta Gardone Val Trompia, Italia
***** ARMERIA REALE nel Palazzo Reale di Torino - HD remake 2018 (UNESCO)
La ricca esposizione occupa tre ambienti collegati al percorso delle sale di rappresentanza di Palazzo Reale: la Sala della Rotonda, così detta perché qui si innestava la galleria di collegamento tra Palazzo Reale e Palazzo Madama, la magnifica Galleria del Beaumont e il Medagliere, appositamente progettato da Pelagio Palagi per raccogliere le monete, le medaglie e i sigilli di proprietà della Casa reale.
La collezione di armi appartenuta ai Savoia fu aperta al pubblico nel 1837 per volere di Carlo Alberto nella galleria affrescata da Francesco Beaumont, nella seconda metà dell'Ottocento.
La raccolta, composta da armi provenienti dagli arsenali di Torino e Genova e da raccolte private, conta numerosi tipi di armi bianche e da fuoco e di armature.
Pregevoli le armi medievali, numerosi esemplari del Cinquecento e Seicento di scuola italiana e tedesca, armi e cimeli napoleonici e armature indossate dai sovrani sabaudi.
L'ingresso dell'Armeria conduce anche alla Biblioteca Reale, istituita e aperta al pubblico per volontà di Carlo Alberto intorno al 1840. Conserva un prestigioso patrimonio di volumi, manoscritti, codici miniati, disegni, pergamene, mappe, incisioni, album fotografici ed è fondamentale riferimento per gli studiosi degli antichi fondi di storia sabauda. Nella sezione della grafica è conservata l'eccezionale raccolta di disegni di Leonardo da Vinci con il famoso autoritratto (circa 1516).
Sono dell'architetto di corte Pelagio Palagi la sala studio con le sue decorazioni e il disegno delle scaffalature con balconata che rivestono interamente le pareti.
I maestri del gioiello sfilano con le loro opere all'Urban Center di Milano: 8-10 febbraio 2013
L'Urban Center, in Galleria Vittorio Emanuele II, spalanca le sue porte, dall' 8 al 10 febbraio 2013, ai partecipanti della manifestazione Maestri del gioiello -- a Milano con grinta verso il futuro, per un'eccezionale sfilata dei loro pezzi unici.
Promosso dall'Associazione culturale e artistica Iperbole, per la valorizzazione dell'artigianato artistico e patrocinato da Regione Lombardia, Provincia di Milano, Comune di Milano, l'evento Maestri del Gioiello, giunto alla sua sesta edizione si presenta sempre più ricco di nuove proposte orafe, coinvolgendo professionisti provenienti da regioni del sud Italia oltre che del centro del paese e di Milano stessa; è con queste premesse che il progetto si manifesta in Galleria Vittorio Emanuele, inaugurando così la seconda edizione di questa esposizione da sogno.
D'altra parte, Maestri del gioiello non è soltanto una passerella d'onore, una finestra sull'artigianato orafo contemporaneo ma anche un'occasione di incontrare dal vivo gli stessi talentuosi maestri dell'oreficeria artigiana e di rapportarsi alle loro tecniche di lavorazione, come la granulazione, l'incisione, il traforo, ecc...
Oro, gemme, diamanti, brillanti, pietre preziose, lapislazzuli, minerali grezzi... sono ingredienti indispensabili per l'elaborazione di gioielli d'arte ed anche per esprimere tematiche legate all'amore, prezioso quando un gioiello, ispirandosi proprio a San Valentino che per data si lega a questa manifestazione straordinaria di oreficeria.
Altresì, non mancheranno di emozionare i lavori realizzati per il concorso Jacopo da Trezzo, ispirato al primo orafo italiano, che lavorò il diamante e che divenne importante artista alla corte dei Re di Spagna nel 1500. Il tema sul quale si sono cimentati gli orafi è completamente attuale, brilla di speranza in vista di un futuro migliore.
Il titolo di questa competizione è stata infatti A Milano con grinta verso il futuro. I maestri orafi inviano un messaggio positivo in questo momento di crisi. Il privilegio all'eccellenza è stato raggiunto da Alessandro Averla di Savona, il più apprezzato dalla giuria di operatori del settore, giornalisti e istituzioni, e da Fabrizio Di Cori di Artena (Roma) che ha ricevuto il premio del pubblico.
Venerdì 8 febbraio: 15.00 - 20.00
Sabato 9 e Domenica 10 febbraio: 10.00 - 20.00
Per informazioni:
E-mail: maestri@maestridelgioiello.it
Sito Internet: maestridelgioiello.it
Associazione culturale ed artistica Iperbole - Tel. +39 329-8989533 -- E-mail: info@associazioneiperbole.it -- Sito Internet: associazioneiperbole.it
Eventi doc di Myriam Vallegra
tel./fax +39 0331-553387 - cell. +39 347-4009542 - E-mail: info@eventi-doc.it -- Sito Internet: eventi-doc.it
barzelletta cubana raccontata dal famoso artista
barzelletta cubana raccontata dal famoso artista Nazario Salazar Martinez
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Maria Elisabetta Villa Presidente del gruppo di sostegno DBA ONLUS ITALIA DI VERONA
Antonella Falcioni presenta Maria Elisabetta Villa Presidente del gruppo di sostegno DBA ONLUS ITALIA DI VERONA progetto NO MORE RARE
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Sono Antonella Falcioni, dipingo su porcellana, olio su tela, acquerello su carta, acrilico su legno e tanti altri supporti, i miei soggetti sono ritratti, animali, angeli, Madonne, paesaggi, campi da golf ecc, inoltre espongo in gallerie e musei.
Ho curato anche mostre di artisti internazionali, inoltre mi dedico a fare ricami a macchina personalizzati su richiesta ed artistici.
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VALTROMPIA (Bs) - La storia delle armi e del Consorzio Armaioli Bresciani (1990)
La valle bresciana è da sempre nota nel mondo per la sua produzione di armi. Lavoro, arte, storia e cultura sono le caratteristiche tipiche di questo settore che fin dal Medioevo, grazie alla storica famiglia Beretta, realizza armi e oggetti simili ambiti da tutto il mondo. Nelle immagini si nota la precisione, la creatività e la capacità con cui gli artigiani e operai costruiscono i prodotti e li maneggiano con cura. Un settore che nei secoli ha avuto sempre più richieste e domande sia durante le guerre e oggi dagli sportivi. Dalla via artigiana si è passati quindi all'industria, con le macchine che assicurano una produzione più elevata e precisa. Un viaggio lungo la valle del ferro, da Collio a Gardone, che vive le giornate costruendo e innovando. Ma produrre non basta, bisogna anche saper stare insieme per difendere il settore. Per questo motivo nel marzo del 1975 è nato il Consorzio Armaioli Bresciani (CAB) che quindici anni dopo rappresentava decine di aziende aderenti e oggi è il punto di riferimento nazionale per chi produce armi. (Produzione: Intv News)
Corso di pittura su porcellana - 5 lezione - la cottura nel forno - Antonella Falcioni
5 lezione di pittura su porcellana la cottura nel forno - Antonella Falcioni
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Immagini della master del pianista Oleg Marshev presso l'Istituto Braga di Teramo (parte prima)
Progetto Braga 1998: master class del pianista Oleg Marshev. Iniziativa finanziata dalla Fondazione Cassa di Risparmio della provincia di Teramo e organizzata dall'Istituto Musicale Braga di Teramo. Direzione artistica dei Maestri Antonio Castagna e Piero Di Egidio.
Nato a Baku (ex-URSS), OLEG MARSHEV ha mostrato sin dall’infanzia un notevole talento musicale. Formatosi con Valentina Aristova alla famosa Scuola Gnesiny di Mosca e proseguendo poi gli studi con Mikhail Voskresensky al Conservatorio moscovita, presso il quale nel 1984 ha conseguito la laurea con lode e successivamente il suo dottorato. Residente in Italia dal 1991, Oleg Marshev é stato premiato a diversi concorsi internazionali in Canada, Italia, Portogallo, Spagna, Stati Uniti. I suoi quattro primi premi hanno confermato la già conosciuta reputazione, quella di uno dei migliori talenti pianistici russi della sua generazione.
L’artista ha debuttato al Lincoln Center “Alice Tully Hall” di New York nel 1991 e l’anno successivo è apparso per la prima volta nella Concertgebouw di Amsterdam che l’ha portato ad essere ripetutamente invitato in quella prestigiosa sede. Da allora tiene concerti in tutto il mondo, dal Canada alla Nuova Zelanda, suonando con orchestre quali London Philharmonic, nelle sale quali Wigmore Hall di Londra e per le più importanti società come il Festival A.B.Michelangeli di Brescia e Bergamo, Ruhr Klavier Festival in Germania, Festival Pianistico di Roque d’Anthéron in Francia.
Marshev é anche impegnato in campo didattico. Attualmente è il Professore dell’ Università “Anton Bruckner” a Linz, Austria e tiene corsi di perfezionamento in Italia e all’estero. Lui é frequentemente invitato a fare parte della giuria di numerosi concorsi pianistici nazionali ed internazionali.
Il primo grande progetto discografico realizzato da lui riguarda l’incisione dell’opera integrale di Prokofiev, per pianoforte solo, in cinque CD, effetuato per la casa discografica danese Danacord. Finora Marshev ha inciso almeno trentacinque CD con musiche di F. Schubert, J. Brahms, R. Strauss, A. Rubinstein, P. Pabst, S. Rachmaninov e di molti altri. Ha realizzato la prima registrazione mondiale di tutte le opere di Emil von Sauer in sei CD, la cui musica è certamente poco nota o quasi dimenticata. Degna di nota è l’incisione del ciclo dei Concerti romantici danesi, in quattro CD.L’artista è probabilmente l’unico al mondo ad aver registrato tutte le opere per pianoforte e orchestra dei più grandi compositori russi: Tchaikovsky, Rachmaninov, Prokofiev, Shostakovich. Nel luglio sono uscite due nuove integrali: Chopin – tutte le opere per pianoforte ed orchestra in 2 CDS e Mendelssohn – tutte le opere per pianoforte ed orchestra in quattro CD.
Tutte queste registrazioni hanno subito richiamato l’attenzione e il grande apprezzamento della critica internazionale. Il CD con i concerti di Shostakovich è stato recensito da BBC Music magazine con le parole: “Marshev è il fenomeno, il maestro di ogni stato d’anima, di sensibilità controllata dalla intelligenza e sentimento.”